作为公共文化空间，博物馆的展陈设计在中国起步较晚，但发展却极为迅速。这些年，博物馆展陈设计越来越美，去博物馆看一次展览，不仅仅是获得一段历史文化知识，也常常是一次愉悦的审美体验。
所谓美感，就是人们对呈现在眼前的事物的形状、色彩、结构、比例关系等，在心理上会产生一定反应，这时所产生的愉悦，便是美感。
成都博物馆“空明流光——宋瓷·五大名窑特展”开展以来吸引了不少观众，这场展览，吸引人们的不仅仅是博物馆里精美的宋瓷，舒适、淡雅的特展空间设计也让人沉醉其间。
可以说，此次展览也是博物馆的展陈设计的一个范例，为此，我们邀请成都博物馆艺术总监范犁，就此次展览，分享其在美学设计以及空间设计上的思考，探讨展陈设计之道。
穿越到现代的“宋式美学”
作为入行多年的文博从业人员，从2016年成都博物馆开馆到现在，范犁参与了成都博物馆推出的近60个特展和临展。每一场特展，她都带领设计团队根据展品以及展览的特点进行空间设计。
“整理我做的这几十个展览设计，回想起来其实有很多印象深刻的。我所做的每一个展览都是从它这个主题和内核出发来做的一个全新的创造。”范犁说。在五大名窑特展时，她和设计团队依旧秉持着“从内容出发，让空间说话”的态度，深入挖掘宋瓷的内涵特点，让展品在设计的空间内发挥出最大的光彩。
成都博物馆艺术总监范犁
在展览设计过程中，范犁以哲学家李泽厚的美学思想为理论基础，深度把握了宋代美学的独特意境。
范犁说，“李泽厚《美的历程》中提到，宋代的美学和唐盛时期已经很不一样，他们转向对内心世界的追求，所以呈现出来的审美更趋于闲散宁静和柔美的状态。而这种状态体现在瓷器上，便会呈现出色调单纯和志趣高雅的一种美。”只有把握好宋代的独特美学才能真正做到好名窑特展的空间设计。
要让一个历史时期的审美倾向穿越时空，空间设计采用了有“犹抱琵琶半遮面”效果的半透明柔纱材料，并在展厅中贯穿展览的始终。“我们（还）选用了非常洁净的空间，用单纯的色调以及柔和的光线对宋代美学做美学表达。”
在纱与纱之间，柔和的光线营造出空灵浸透的美学空间，“我们希望通过这种材料，将宋代的极简而又温和的审美外化出来，让观众仿佛穿越时空，置身宋代的大街小巷观赏瓷器。”
此外，为体现宋代人点茶，品香、挂画的美学生活，范犁和设计团队将内容策划所表达的瓷器与宋人生活场景之间的关系投射到展厅空间中，形成移步换景的展陈语汇。这样独特的排列组合打破了一贯的说教式输出，让游客变被动为主动，体会文物的历史底蕴，“我们的空间编排也尊重审美多样性。”范犁看来，若想打造群众喜闻乐见的艺术，便需要充分尊重游客的审美多样性。
本次特展空间主要有五个部分，“空间编排上有一个特点，我们没有用强制性的参观路线来规定观众的参观顺序。在第二个单元，按照五大名窑的分类，把产品以及窑址的信息按汝、官、哥、钧、定五大窑口分成了五个组团。观众走到这里，可以随心所欲地根据自己的喜好选择参观的路线，每个人的选择都可以是不一样的，这是根据观众自己内心的审美做出的选择。”观众根据自己的喜好进行选择，这一设计更提高了观众的审美意向，充分体现了成都博物馆“以人为本”的理念。
“纸上谈兵”易“落地开花”难
一场展览是如此从无到有的？探讨特展设计流程时，范犁认为，整个设计环节大致分为三个阶段：概念设计阶段、概念深化阶段、实施阶段。
在概念设计阶段，便是与策展人深度的交流，以及对展览文本的深度的阅读和解读，随后提出展陈设计的整体概念与方向。第二个阶段是基于概念设计的深化设计阶段，此时需要将概念设计的空间意向，包括平面设计、展览空间规划、多媒体设计以及展项的设计深化，也就是将概念设计方案深入到可实施的阶段。最后是制作布展阶段。需要在展厅的现场将图纸上的空间搭建成为实际的空间，再将展品运输到现场进行布置和灯光的调试。
“在设计完成后，我们已经有了一张概念图纸，但是理想变成现实往往充满挑战。”这也是范犁认为最困难的地方，在她看来，意向或概念设计的方案以及深化设计的方案，它们存在电脑上，是视觉的呈现。
但当落地到实施的过程中，会遇到很多的困难，“也就是把图纸上的美学效果落实到空间中。”为了给观众呈现出最好的效果，设计师需要驻守在现场对灯光、色彩等细节进行反复推敲和完善，才能最大限度展现宋瓷之美。
学者冯伟民认为，展陈设计“门槛高，起步晚，历史机遇好，实践机会多”。伴随着社会发展，人们对精神文化生活的要求急剧增长，视觉审美带来的对博物馆典藏品以及陈列、馆舍设计的美感需求也在逐步提高，美学艺术正成为博物馆发展不可或缺的帮助。
